Painting the Dark: Light, Shadow & the Drama of Contrast - Royal Talens

Die Dunkelheit malen: Licht, Schatten und das Spiel der Kontraste

Verfasst von Jeff Olson. Entdecken Sie, wie Künstler von Caravaggio bis Hockney – während der Herbst das Licht dämpft – Kontraste und Schatten eingesetzt haben, um Dramatik zu erzeugen und Geschichten zu erzählen, und lernen Sie, wie Sie dies in Ihre eigenen Werke einfließen lassen können.

Der Herbst hat eine ganz eigene Art, das Licht zu verändern.

Die Tage werden kürzer. Schatten ziehen sich über die Landschaft. Innenräume wirken wärmer, während es draußen dunkler wird. Ein in der Dämmerung beleuchtetes Fenster erscheint plötzlich einladender oder vielleicht auch ein wenig geheimnisvoll. Der Oktober erinnert uns daran, dass wir Licht am stärksten wahrnehmen, wenn es von Dunkelheit umgeben ist.

Künstler haben diesen Zusammenhang schon seit Jahrhunderten verstanden. Licht und Schatten können Formen beschreiben und Tiefe erzeugen, aber sie können auch Stimmungen schaffen, unsere Aufmerksamkeit lenken und eine Geschichte erzählen. Manchmal ist das, was ein Künstler bewusst nicht preisgibt, genauso wichtig wie das, was wir sehen dürfen.

Mural painting of a man tending to a horse with a person lying on the ground.

Aus der Dunkelheit

Während der Renaissance entwickelten Künstler das Chiaroscuro, wörtlich „Hell-Dunkel“, wobei sie durch allmähliche Helligkeitsverläufe Figuren und Objekten eine überzeugende räumliche Tiefe verliehen.

In der Barockzeit trieben Künstler wie Caravaggio dieses Wechselspiel zu einer weitaus dramatischeren Ausprägung voran. Durch seinen Einsatz des Tenebrismus stellte er hell beleuchtete Figuren vor tiefschwarze Dunkelheit. Das Licht beschrieb nicht mehr bloß die Form. Es wurde theatralisch.

Doch dramatische Kontraste sind kein Alleinstellungsmerkmal der westlichen Tradition.

Japanische Ukiyo-e-Künstler wie Utagawa Hiroshige gingen mit der Nacht ganz anders um. Anstatt sich auf sanfte Schattierungen zu verlassen, nutzte Hiroshige häufig flächige Formen, Silhouetten, Mondlicht, Laternen und weite Dunkelheit, um eine bestimmte Atmosphäre zu schaffen.

Eine Figur, die eine Brücke überquert, könnte kaum mehr als eine dunkle Silhouette sein. Ein leuchtendes Fenster oder eine Laterne könnte eine ansonsten gedämpfte Szene hervorheben.

Caravaggio und Hiroshige bieten sehr unterschiedliche Lösungen für dasselbe visuelle Problem: Wie lässt man uns Licht erleben?

Die Antwort lautet – vielleicht überraschenderweise – durch die Dunkelheit.

Caravaggio
Die Bekehrung auf dem Weg nach Damaskus, 1601
Öl auf Leinwand

Wenn Schatten Geschichten erzählen

In der Moderne erhielten Schatten zunehmend eine psychologische Dimension.

Auf den geheimnisvollen Plätzen von Giorgio de Chirico erstrecken sich unmöglich lange Schatten über nahezu leere architektonische Räume. Wir wissen vielleicht nicht genau, was geschehen ist, doch die Gemälde vermitteln uns das Gefühl, dass etwas geschehen ist oder dass etwas kurz bevorsteht.

Edward Hopper fand ähnliche Dramatik im alltäglichen amerikanischen Leben. Ein Diner, das vor dem Hintergrund einer dunklen Straße leuchtet, Sonnenlicht, das quer durch einen Raum fällt, oder ein beleuchtetes Fenster, umgeben von Dunkelheit – all dies kann eine alltägliche Szene in eine Erzählung verwandeln.

Diese Bildsprache geht über die Malerei hinaus. Der Film noir verwandelte hartes, gerichtetem Licht, Silhouetten, tiefe Schatten, beleuchtete Türöffnungen und dramatische Blickwinkel in ein Vokabular aus Geheimnis und Spannung. Licht ermöglicht es uns nicht nur, die Figuren zu sehen. Es bestimmt, wie viel wir erfahren dürfen.

Diese filmische Sensibilität findet sich auch in den psychologisch aufgeladenen Werken von Paula Rego wieder. Ihre Figuren wirken oft so, als wären sie mitten in einer bereits laufenden Szene gefangen. Dramatische Wertverhältnisse verstärken die Spannung und lassen den Schatten Teil der Geschichte werden.

Giorgio de Chirico
Geheimnis und Melancholie einer Straße, 1914
Öl auf Leinwand

A surreal architectural painting showing a long white building on the left, a dark building on the right, a train passing through an open gate in the foreground, and a small figure with a net on a yellow street below.

Schatten hat Farbe

In all dieser Dunkelheit verbirgt sich eine weitere wichtige Erkenntnis:

Ein Schatten ist nicht einfach nur Schwarz.

Kaum ein Künstler hat dies schöner zum Ausdruck gebracht als Claude Monet. Für die Impressionisten waren Schatten voller Farbe und unterlagen denselben wechselnden Lichtverhältnissen wie alles um sie herum. In Monets Gemälden von Schnee, Heuhaufen, Gebäuden und Landschaften können Schatten je nach Umgebungslicht und Atmosphäre blau, violett, rosa oder grün erscheinen.

Wenn Sie genau hinschauen, können Schatten Farben enthalten, die von umgebenden Objekten reflektiert werden. Ein warmes Licht kann einen vergleichsweise kühlen Schatten erzeugen. Ein blauer Himmel kann die Schatten in einer Landschaft beeinflussen. Reflektiertes Licht kann selbst in die dunkelsten Bereiche unerwartete Farben einbringen.

Acrylmaler können dies erforschen, indem sie chromatische Dunkelheiten mischen, anstatt automatisch zu Schwarz zu greifen. Versuchen Sie, Ultramarinblau mit Siena gebrannt zu kombinieren. Durch die Anpassung der Mischungsverhältnisse lässt sich die Mischung zwischen wärmeren und kühleren, fast schwarzen Farbtönen variieren, wobei ein subtiler Farbcharakter erhalten bleibt.

Schwarz bleibt eine kraftvolle und vielseitige Farbe auf der Palette, doch das Erkunden chromatischer Dunkelheiten und anderer Farbkombinationen kann Ihnen den Zugang zu einer größeren Vielfalt an Farbtemperaturen, Effekten und Möglichkeiten eröffnen.

Das Ziel besteht nicht einfach darin, etwas dunkler zu machen. Es geht darum, die Dunkelheit lebendig werden zu lassen.

Claude Monet
Heuhaufen (Les Meules)
1890–1891
Öl auf Leinwand

Vom Schatten zur Form

Wir können diesen Gedanken noch einen Schritt weiterführen. Was geschieht, wenn wir aufhören, einen Schatten als etwas zu betrachten, das an einem Objekt haftet, und ihn stattdessen einfach als Form wahrnehmen?

Dies habe ich bereits früh in meiner eigenen Entwicklung als Maler entdeckt. Als Student nahm ich ein Gemälde oder ein Foto und reduzierte es auf seine dunkelsten und hellsten Tonwerte. Das Bild wurde zu einer Ansammlung von Formen statt von Objekten. Es war eine einfache Übung, doch sie lehrte mich etwas, das ich bis heute in meine Arbeit einfließen lasse: Ein Schatten kann eine Form, eine Farbe und ein wesentlicher Bestandteil der Komposition sein.

David Hockney liefert hierfür ein wunderbares Beispiel. In vielen seiner Kalifornien-Gemälde werden Schatten zu vereinfachten Farbformen. Sie beschreiben nicht bloß die Abwesenheit von Licht. Sie schaffen Struktur, Rhythmus und Bewegung innerhalb der Komposition.

Nimmt man die Darstellung gänzlich weg, bleibt das Prinzip bestehen. Die kühnen Schwarz-Weiß-Gemälde von Franz Kline zeigen, wie stark unsere Augen auf gegensätzliche Helligkeitswerte reagieren. Robert Motherwell setzte massive dunkle Formen vor helleren Hintergründen ein, um Rhythmus, Gewicht und emotionale Tiefe zu erzeugen.

Der Kontrast selbst kann zum Thema werden.

David Hockney
Grüner Pool mit Sprungbrett und Schatten, 1978
Papiermasse-Malerei auf Papier

Probieren Sie es aus: Malen Sie die Dunkelheit

Experimentieren Sie in diesem Oktober damit, die Dunkelheit zu einem aktiven Bestandteil Ihres Gemäldes zu machen.

Platzieren Sie einen einfachen Gegenstand unter einem starken, gerichteten Licht und malen Sie dessen Schatten, ohne Schwarz zu verwenden. Mischen Sie chromatische Dunkelheiten und achten Sie sorgfältig auf reflektierte Farben.

Versuchen Sie, ein Nachtbild zu malen, bei dem Sie nur wenige beleuchtete Bereiche verwenden. Verwandeln Sie eine Figur oder einen Gegenstand in eine Silhouette und lassen Sie den umgebenden Negativraum diese definieren.

Oder probieren Sie die Übung aus, die ich als Student entdeckt habe. Wählen Sie ein Gemälde oder ein Foto aus und reduzieren Sie es auf nur zwei Helligkeitsstufen: hell und dunkel. Vergessen Sie die Objekte und konzentrieren Sie sich auf die Formen, die sie erzeugen. Gehen Sie dann noch einen Schritt weiter und verwandeln Sie diese Formen in Farbe.

Für etwas Geheimnisvolleres lassen Sie den Schatten zum Geschichtenerzähler werden. Malen Sie einen gewöhnlichen Gegenstand, eine Figur, eine Türöffnung oder ein Fenster, lassen Sie jedoch zu, dass dessen Schatten etwas Unerwartetes andeutet.

Schließlich ist der Oktober der perfekte Monat, um ein wenig Geheimnisvolles ins Atelier zu lassen.

Licht offenbart. Schatten verbirgt. Und irgendwo zwischen beiden beginnt ein Gemälde, seine Geschichte zu erzählen.

Über den Autor

Jeff Olson ist ein in Seattle ansässiger Künstler mit mehr als dreißig Jahren Erfahrung in der Atelierpraxis und im Ausstellungsbereich. Er ist sowohl Maler als auch Pädagoge und verfügt über ein tiefes Verständnis für die Materialien, die den visuellen Ausdruck prägen.

Er ist Leiter der Kunstpädagogik bei Royal Talens North America, wo er sein Wissen an Universitäten, Kunstorganisationen und bei Fachveranstaltungen in den Vereinigten Staaten und Kanada weitergibt. Seine Arbeit konzentriert sich auf die Geschichte, Zusammensetzung und das Ausdruckspotenzial von Künstlermaterialien. Weitere Informationen über Jeff finden Sie auf seiner Website.

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