Painting the Dark: Light, Shadow & the Drama of Contrast - Royal Talens

Pintar la oscuridad: luz, sombra y el drama del contraste

Escrito por Jeff Olson. Ahora que el otoño va atenuando la luz, descubre cómo artistas desde Caravaggio hasta Hockney han utilizado el contraste y las sombras para crear dramatismo y contar historias, y aprende a utilizar eso en tu propio trabajo.

El otoño tiene una forma especial de cambiar la luz.

Los días se acortan. Las sombras se alargan por el paisaje. Los interiores parecen más cálidos a medida que el mundo exterior se oscurece. Una ventana iluminada al atardecer de repente resulta más acogedora, o quizá un poco misteriosa. Octubre nos recuerda que la luz es algo que notamos más cuando está rodeada de oscuridad.

Los artistas llevan siglos entendiendo esta relación. La luz y la sombra pueden definir las formas y crear profundidad, pero también pueden crear un ambiente, dirigir nuestra atención y contar una historia. A veces, lo que un artista decide no revelar es tan importante como lo que nos deja ver.

Mural painting of a man tending to a horse with a person lying on the ground.

Desde la oscuridad

Durante el Renacimiento, los artistas desarrollaron el claroscuro, que literalmente significa «luz-oscuridad», utilizando cambios graduales en el valor tonal para dar a las figuras y los objetos una sensación convincente de volumen.

En el Barroco, artistas como Caravaggio llevaron esta relación a un nivel mucho más dramático. Su uso del tenebrismo situaba figuras muy iluminadas frente a zonas de profunda oscuridad. La luz ya no se limitaba a describir la forma, sino que se volvió teatral.

Pero el contraste dramático no es exclusivo de la tradición occidental.

Los artistas japoneses del ukiyo-e, como Utagawa Hiroshige, abordaban la noche de una forma muy diferente. En lugar de basarse en un modelado gradual, Hiroshige solía utilizar formas planas, siluetas, la luz de la luna, faroles y extensiones de oscuridad para crear atmósfera.

Una figura que cruza un puente podía convertirse en poco más que una forma oscura. Una ventana iluminada o una linterna podían romper la monotonía de una escena por lo demás tenue.

Caravaggio y Hiroshige ofrecen soluciones muy diferentes al mismo problema visual: ¿cómo consigues que experimentemos la luz?

La respuesta, aunque te sorprenda, es a través de la oscuridad.

Caravaggio
La conversión en el camino a Damasco, 1601
Óleo sobre lienzo

Cuando las sombras cuentan historias

En la era moderna, las sombras cobraron cada vez más un carácter psicológico.

En las misteriosas plazas de Giorgio de Chirico, unas sombras increíblemente largas se extienden por espacios arquitectónicos casi vacíos. Puede que no sepamos exactamente qué ha pasado, pero los cuadros nos hacen sentir que algo ha ocurrido, o que algo está a punto de pasar.

Edward Hopper encontró un dramatismo similar en la vida cotidiana estadounidense. Una cafetería que brilla contra una calle oscura, la luz del sol atravesando una habitación o una ventana iluminada rodeada de oscuridad pueden convertir una escena cotidiana en una narración.

Este lenguaje visual va más allá de la pintura. El cine negro transformó la iluminación direccional intensa, las siluetas, las sombras profundas, las puertas iluminadas y los ángulos dramáticos en un vocabulario de misterio y suspense. La luz no solo nos permite ver a los personajes. Controla lo que se nos permite saber.

Esa sensibilidad cinematográfica también se puede encontrar en la obra, cargada de tensión psicológica, de Paula Rego. Sus figuras suelen aparecer atrapadas en medio de una escena que ya está en marcha. Las relaciones de valor dramático refuerzan la tensión, permitiendo que la sombra se convierta en parte de la historia.

Giorgio de Chirico
Misterio y melancolía de una calle, 1914
Óleo sobre lienzo

A surreal architectural painting showing a long white building on the left, a dark building on the right, a train passing through an open gate in the foreground, and a small figure with a net on a yellow street below.

La sombra tiene color

Hay otra lección importante escondida en toda esta oscuridad:

Una sombra no es simplemente negra.

Pocos artistas lo demostraron con más belleza que Claude Monet. Para los impresionistas, las sombras estaban llenas de color y se veían afectadas por las mismas condiciones cambiantes de la luz que todo lo que las rodeaba. En los cuadros de Monet con nieve, pajares, edificios y paisajes, las sombras pueden volverse azules, violetas, rosas o verdes, dependiendo de la luz y la atmósfera que las rodean.

Fíjate bien y verás que las sombras pueden contener colores reflejados de los objetos que las rodean. Una luz cálida puede producir una sombra relativamente fría. Un cielo azul puede influir en las sombras de un paisaje. La luz reflejada puede aportar un color inesperado incluso en los pasajes más oscuros.

Si pintas con acrílicos, puedes explorar esto mezclando tonos oscuros cromáticos en lugar de recurrir automáticamente al negro. Prueba a combinar Azul ultramar con Tierra de Siena tostada. Ajustando las proporciones, la mezcla puede oscilar entre tonos cercanos al negro más cálidos y más fríos, conservando al mismo tiempo un sutil matiz de color.

El negro sigue siendo un color potente y versátil en la paleta, pero explorar los tonos oscuros cromáticos y otras combinaciones de colores puede abrirte las puertas a una mayor variedad de temperaturas, efectos y posibilidades.

El objetivo no es simplemente hacer algo más oscuro. Es dar vida a la oscuridad.

Claude Monet
Pajar (Les Meules)
1890-1891
Óleo sobre lienzo

De la sombra a la forma

Podemos llevar esta idea un paso más allá. ¿Qué pasa cuando dejamos de pensar en una sombra como algo ligado a un objeto y empezamos a verla simplemente como una forma?

Esto es algo que descubrí al principio de mi trayectoria como pintor. Cuando era estudiante, cogía un cuadro o una foto y lo reducía solo a sus valores más oscuros y más claros. La imagen se convertía en un conjunto de formas en lugar de objetos. Era un ejercicio sencillo, pero me enseñó algo que sigo aplicando en mi trabajo hoy en día: una sombra puede ser una forma, un color y una parte esencial de la composición.

David Hockney ofrece un ejemplo maravilloso. En muchos de sus cuadros de California, las sombras se convierten en formas simplificadas de color. No se limitan a describir la ausencia de luz. Establecen estructura, ritmo y movimiento dentro de la composición.

Si eliminas por completo la representación, el principio sigue ahí. Las atrevidas pinturas en blanco y negro de Franz Kline demuestran lo mucho que nuestros ojos responden a los valores opuestos. Robert Motherwell Utilizaba formas oscuras y masivas sobre fondos más claros para crear ritmo, peso y gravedad emocional.

El contraste en sí mismo puede convertirse en el tema.

David Hockney
Piscina verde con trampolín y sombra, 1978
Pintura con pasta de papel sobre papel

Pruébalo: pinta la oscuridad

Este octubre, prueba a convertir la oscuridad en una parte activa de tu pintura.

Coloca un objeto sencillo bajo una luz direccional intensa y pinta sus sombras sin utilizar negro. Utiliza tonos oscuros cromáticos y fíjate bien en los colores reflejados.

Intenta pintar un nocturno utilizando solo unos pocos puntos de luz. Convierte una figura u objeto en una silueta y deja que el espacio negativo que la rodea la defina.

O prueba el ejercicio que descubrí cuando era estudiante. Elige un cuadro o una fotografía y redúcelo a solo dos valores: claro y oscuro. Olvídate de los objetos y concéntrate en las formas que crean. Luego, da un paso más y convierte esas formas en color.

Si quieres algo un poco más misterioso, deja que la sombra sea la que cuente la historia. Pinta un objeto corriente, una figura, una puerta o una ventana, pero deja que su sombra sugiera algo inesperado.

Al fin y al cabo, octubre es el mes perfecto para dejar entrar un poco de misterio en el estudio.

La luz revela. La sombra oculta. Y en algún punto entre ambas, un cuadro empieza a contar su historia.

Sobre el autor

Jeff Olson es un artista afincado en Seattle con más de treinta años de experiencia en el estudio y en exposiciones. Es pintor y educador, y tiene un profundo conocimiento de los materiales que dan forma a la expresión visual.

Es director de Educación Artística de Royal Talens North America, donde comparte sus conocimientos con universidades, organizaciones artísticas y eventos profesionales en todo Estados Unidos y Canadá. Su trabajo se centra en la historia, la composición y el potencial expresivo de los materiales artísticos. Para saber más sobre Jeff, visita su sitio web.

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